AUTOR: TERESA LÓPEZ

El presente trabajo pretende estudiar la Talavera Poblana con el fin de justificar la riqueza cultural de México, ver reflejada en la técnica, en los motivos decorativos, en los colores la gran influencia que tiene de la cerámica de las culturas de Oriente, rastrear los orígenes de la misma para explicar, para dar un enfoque diferente a la historia de la conquista y la colonia en la Nueva España.

            Parte de los objetivos de la misma investigación es a partir de este rastrear los orígenes, de ver en su contexto el surgimiento de los talleres de Talavera en la Nueva España, ver el encuentro multicultural que se dio a partir de la conquista pero sobretodo resaltar la interculturalidad que hubo y que hay, y que la podemos encontrar reflejada en la Talavera Poblana.

AUTOR: AMÉRICA GARCÍA

Esta investigación busca encontrar las influencias góticas de la construcción, diferenciándolas de otros estilos presentes en las paulatinas modificaciones que se le hicieron al proyecto original. Esta obra, situada en el eclecticismo, nos muestra una gran variedad de estilos que fueron agregados en las diferentes etapas de construcción de la misma, y lo que se busca en esta investigación es el análisis de los pocos elementos que fueron manteniéndose con la influencia gótica original, y conocer el impacto social que esta obra logró tener en el municipio de Zamora.

AUTOR: ITZEL CHÁVEZ

Con esta investigación pretendo ampliar el estudio de la iconografía cristiana de la edad media, ahondar en la construcción ideológica del demonio, cómo y cuándo se decide llevarla a la representación en la pintura, ya que esto no venía haciéndose, lo que me lleva a pensar en un motivo específico, la imagen del diablo es siempre muy controversial por el miedo que causa o por  todo lo que una imagen maléfica encierra, tabús, miedos, rechazo, todo lo que a alguien puede interesarle infundir en una sociedad, o en la psique de un pueblo. Porque el miedo es muchas veces la manera más fácil de dominar, de abarcar, de controlar.

     Ya la biblia nos hablaba de lo que el diablo era y representaba para dicha religión, la gente muy probablemente debía solo imaginar la apariencia que este ser tenía pues no existía algo que pudiera ilustrar a los creyentes de lo que se les hablaba, por esto, creo que fue necesario llevarlo a la representación  gráfica,  y hacer más fuerte su imagen y presencia en el mundo tanto espiritual como, de alguna manera, físico, para el control del pueblo, para otorgar un beneficio a la iglesia, quien lo ha creado finalmente, beneficio que le ayudará a expandirse territorialmente sin perder los ya adquiridos adeptos, asegurándole la estabilidad que necesitaba para llegar más allá.

     Iconográficamente creo que la imagen del diablo adquirió atribuciones nuevas en favor de enriquecer esa maldad, ese ejemplo de lo que no se debe hacer, de lo que debes temer y de lo que puedes sufrir al cometer el tan rechazado y temido pecado.

      Con esta investigación espero cubrir todos esos aspectos, nacimiento, continuación y complejización  de la imagen del diablo que la llevó incluso a un culto, el tan famoso Satanismo.

     Así como la iconografía atribuida a su imagen. Pretendo también hacer un análisis de cinco obras comparando la iconografía y sus atributos, encontrar si hubo solo uno o varios demonios y cómo llegaron a esa representación, y definición de varios demonios.

AUTOR: EDGAR CASTAÑEDA

En el presente trabajo de investigación se abordará la importancia de utilizar la estética como una manera de análisis en el estudio del arte contemporáneo, específicamente en el estudio del Land Art.

La estética es una rama de la filosofía, también se le conoce como filosofía del arte o teoría del arte, se relaciona con la esencia y la percepción que tiene el ser humano de la belleza y de la fealdad, a su vez se ocupa de la cuestión si estas cualidades están de manera objetiva presentes en las cosas –objetos de arte-, si pueden calificar para tener las cualidades o son percepciones completamente subjetivas del individuo, por lo tanto, una de sus finalidades es mostrar si los objetos son percibidos de un modo particular -el modo estético- o si los objetos tienen, en sí mismos, cualidades específicas o estéticas.

El Land Art es una manifestación artística que se realiza principalmente en  exteriores, por lo regular se utilizan lugares poco explotados naturalmente o apartados de la civilización, ya que utiliza elementos de la naturaleza, como hojas, troncos, flores, piedras para llevar a cabo la obra artística y crean formas por lo general con una inspiración minimalista. Esta manifestación surgió en Inglaterra a mediados de la década de 1960, y se puede tomar como una continuación del denominado movimiento “back to nature”, el arte siempre que se plantea ser innovador tomará –inevitablemente- elementos de manifestaciones artísticas anteriores, por lo cual, el arte socialmente es aceptado ya que no siempre rompe con todos los esquemas, sino que sigue una secuencia.

            El principal vector de la investigación será desmenuzar los pensamientos estéticos de Adolfo Sánchez Vázquez y Eugenio Trias respecto al estudio teórico del Land Art, con la finalidad de conocer a conciencia los fundamentos de cada postura y reflexionar de manera personal sobre la posibilidad de un estudio completo del arte contemporáneo, incluyendo a la estética como una herramienta para ello.

AUTOR: TERESA ACOSTA

…en la creación no sólo es importante lo que ve el artista, sino cómo lo ve y desde que actitud espiritual. Paul Westheim¹

El hueco es una expresión prehispánica que no busca solo profundizar materiales que rodean su entorno, sino que explora otras realidades tenaces del inframundo. El hueco es una constante milagrosa que orienta la dualidad y sostiene lo místico en cavidades punzadas, raspadas, escavadas, en toda intencionalidad infinita.

Ejemplos suficientes de este parecer estético que llamaremos “el hueco”, este comportamiento en constante sintonía con todo el arte prehispánico en México, no solo en características de una región mesoamericana, sino que no permite las fronteras o más bien  no las precisa, es complicado acotar un espacio, eso reduciría este planteamiento que categorizamos estético y que  se nombra “El Hueco”.  Recorrer con libertad , no escanear un solo periodo, no determinar un estilo, solo convivir con la manifestación, el expectante camino hacia el túnel de lo que para Westheim es la dualidad, la vida y la muerte.

El arte prehispánico ocupó rayar y decidió hacerlo bien, con objetivos, en función de necesidades, en relación con la propia vida, que también lleva inscrita la muerte perdonable, prefirió romper antes de pintar, pintó y rompió esquemas, a veces improvisó, diría que casi todo el tiempo, organizó a conciencia, poetizó, creó instrumentos y mezcló, hizo lo posible por permanecer, aquí o ahora, después o nunca, jamás dejó atrás su razón de vivir, ni su relación con el otro y con él mismo, que en definitiva era la relación mística inconmensurable . El hueco no dejó de existir, vive, eso pretendió siempre, relata el cielo y la tierra, el antes y el después, lo indescriptible y lo descifrable.

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¹Westheim, Paul, Ideas fundamentales del arte prehispánico en México, Ediciones Era S.A. de C.V.,  tercera reimpresión, México, 1991.p.24